home *** CD-ROM | disk | FTP | other *** search
/ The Guinness Encyclopedia / The Guinness Encyclopedia - Wayzata Technology (3221-1B) (Disc 1) (1995).iso / mac / music / 16in_mus.ic / card_9331.xml < prev    next >
Extensible Markup Language  |  1995-08-14  |  17KB  |  34 lines

  1. <?xml version="1.0" encoding="utf-8" ?>
  2. <!DOCTYPE card PUBLIC "-//Apple, Inc.//DTD card V 2.0//EN" "" >
  3. <card>
  4.     <id>9331</id>
  5.     <filler1>0</filler1>
  6.     <cantDelete> <false /> </cantDelete>
  7.     <showPict> <true /> </showPict>
  8.     <dontSearch> <false /> </dontSearch>
  9.     <owner>5472</owner>
  10.     <link rel="stylesheet" type="text/css" href="stylesheet_3106.css" />
  11.     <content>
  12.         <layer>background</layer>
  13.         <id>25</id>
  14.         <text><span class="style10">usic Since 1945 (1 of 1)</span><span class="style7">Music since 1945 has evolved in many different ways. For many composers - especially in the 1950s - the once revolutionary twelve-note techniques of Schoenberg became the new orthodoxy, while the avant-garde in the 1960s and 1970s enthusiastically embraced the novel sound possibilities offered by the development of electronic instruments. For a while it seemed as though conventional tonality had been banished from any music aspiring to be 'serious'; indeed tonality still tends to be the exception rather than the rule.However, the advent of Minimalism in the late 1960s - a movement that came to maturity in the 1980s - saw the restoration of tonality (and even of melody) to respectability, at the same time finding a wider audience for serious music, verging as it does on the fringes of certain developments in jazz and rock. There has also, in recent years, been a decline in interest in electronic music, as the sounds offered by the new medium have become commonplace, rather than strange and exciting. With the reversion to conventional instruments (and voices) there has often come an opening up to influences from further back in the Western musical tradition, and also to influences from non-Western traditions.To an extent standing aloof from these changes in fashion, certain composers stand out as having identifiably individual voices and styles - even though they themselves are often fathers of movements of one kind or another.</span><span class="style10">Italy</span><span class="style7">The Communist </span><span class="style24">Luigi Nono</span><span class="style7"> (1924-90) maintained an austere position as Italy's leading guru, with an output uncompromising in its severity, from his opera </span><span class="style23">Intolleranza 1960</span><span class="style7"> onwards. However, it is in the music of </span><span class="style24">Luciano Berio</span><span class="style7"> (1925-   ) that listeners have recognized a more appealing Italian theatricality, lyricism and sharpness of observation, rooted in Italian musical history from Monteverdi onwards. Berio's works include his Mahler-inspired </span><span class="style23">Sinfonia</span><span class="style7"> (1969), his 'recital' entitled </span><span class="style23">Recital</span><span class="style7"> (1972) and his sequence of </span><span class="style23">Sequenze</span><span class="style7"> for various soloists.</span><span class="style10">Britain</span><span class="style7">Standing center-stage in postwar Britain is the music - especially the operas - of Benjamin Britten. More idiosyncratic is the music of </span><span class="style24">Michael Tippett</span><span class="style7"> (1905-), whose musical personality derives from a heady mixture of Elizabethan madrigals, Beethoven, Carl Jung and T.S. Eliot, shot through with elements of jazz and pop songs. The result is about as inimitable as Berlioz. In addition to orchestral and chamber works, Tippett has written several operas, including </span><span class="style23">The Midsummer Marriage</span><span class="style7"> (1955) and </span><span class="style23">The Knot Garden</span><span class="style7"> (1970), and his most recent opera, </span><span class="style23">New Year</span><span class="style7"> (1989), has a story (written as always by the composer himself) set in 'Terror Town', where the heroine is a child psychologist, the Belfast Troubles are touched on, the action incorporates a time-traveling spaceship, and the music includes references to reggae.Tippett's younger compatriot </span><span class="style24">Peter Maxwell Davies</span><span class="style7"> (1934-  ) has proved similarly open-minded, using parody (of anything from plainsong to foxtrots) as an inspirational device in such audacious pieces of music theater as </span><span class="style23">Vesalii Icones</span><span class="style7"> (1969), a darkly sardonic tour of the Stations of the Cross, and </span><span class="style23">Eight Songs for a Mad King</span><span class="style7"> (1969), a ferocious portrait of King George III. In recent years, through the influence of the Orkney landscapes and seascapes amid which he now works, Davies's music has grown more romantic and picturesque.</span><span class="style10">America</span><span class="style7">Set somewhat apart from the mainstream is the music of </span><span class="style24">Elliott Carter</span><span class="style7"> (1908-  ), whose music combines romance and high intellectuality. Carter has concentrated on intricately wrought and beautifully fashioned orchestral and chamber music, not invariably abstract (his Symphony of Three Orchestras, written in 1977, was inspired by Hart Crane's poem </span><span class="style23">The Bridge</span><span class="style7">), but demanding the utmost concentration on the part of its performers and listeners. His third string quartet (1971) consists of two elaborate duos, geared to be performed simultaneously, yet independently and at different speeds.In comparison, </span><span class="style24">John Cage</span><span class="style7"> (1912- 92) was a maverick whose musical anarchy had its roots in America's iconoclastic and exhilarating pioneer, Charles Ives.Cage, a pupil of Schoenberg and Henry Cowell, established the </span><span class="style23">prepared piano</span><span class="style7">, whereby foreign bodies were introduced to the instrument's interior in order to produce new sonorities. Like Ives in his vanguard orchestral piece, </span><span class="style23">The Unanswered Question</span><span class="style7"> (1906), Cage was a champion of what was later to be called </span><span class="style23">aleatory music</span><span class="style7">, the performance of which involves a deliberate degree of indeterminacy, or elements of chance, with the result that no two performances are ever the same. Thus </span><span class="style23">Music of Changes</span><span class="style7"> (1951), a seminal work, was created by Cage with the help of the </span><span class="style23">I Ching</span><span class="style7"> and the tossing of coins. (Mozart and Haydn once made similar experiments, but only in a peripheral way, whereas in Cage's case they grew from a long study of oriental philosophy.) Cage's use of chance elements extended to his interest in electronics, his </span><span class="style23">Imaginary Landscape No 4</span><span class="style7"> (1951) requiring 12 radios to be manipulated by 24 players - each performance depending on what could be heard on local radio stations. But though his </span><span class="style23">HPSCHD</span><span class="style7"> (1969) called for seven harpsichordists and 51 or more tape recorders, Cage had by then been succeeded by Stockhausen as the high priest of electronic music.</span><span class="style10">Germany</span><span class="style7">Working from West German Radio's studios in Cologne, </span><span class="style24">Karlheinz Stockhausen</span><span class="style7"> (1928-) brought to his art the same sort of single-minded devotion Wagner brought to </span><span class="style23">The Ring</span><span class="style7">. No task, whether involving electronics, conventional instruments or a combination of both, seemed too great for him. He formed his own ensemble, directing its sounds through synthesizers and amplifiers that he controlled himself; he studied phonetics and acoustics, evolving a theory of parameters, or dimensions in sound, and applied his researches to a series of monster compositions dominated by his seven-part opera cycle entitled </span><span class="style23">Licht</span><span class="style7"> (one part for each day of the week), on which he has been at work since 1984. Though people have dismissed Stockhausen as a theorist whose output has been all hot air, he has demonstrated in such works as </span><span class="style23">Gruppen</span><span class="style7"> for three orchestras (1957), </span><span class="style23">Hymnen</span><span class="style7"> (1967), </span><span class="style23">Prozession</span><span class="style7"> (1967), </span><span class="style23">Stimmung </span><span class="style7">(1968), </span><span class="style23">Jubilaeum</span><span class="style7"> (1977) and a cycle of scores inspired by his son and other members of his closely integrated family that he remains one of the mostformidable figures of modern music, who tirelessly promotes his cause around the world.</span><span class="style24">Hans Werner Henze</span><span class="style7"> (1926-), on the other hand, has been content to employ traditional musical forms, producing an imposing series of operas, six symphonies, and a massive, neo-romantic piano concerto. In Henze's music, his respect for German musical convention is shot through with an Italian lyricism - he prefers Italian life to that in his homeland. Henze's involvement with Communism has yielded such works as his oratorio </span><span class="style23">The Raft of the Medusa</span><span class="style7"> (1968), whose Hamburg premiere was brutally broken up by the West German police, and his war opera (to a text by the English playwright Edward Bond) </span><span class="style23">We Come to the River</span><span class="style7"> (1976).</span><span class="style10">France</span><span class="style7">One of the most original and impressive composers to have emerged since World War II is </span><span class="style24">Olivier Messiaen</span><span class="style7"> (1908-92). Messiaen has combined an indebtedness to the French tradition of Berlioz, Franck and Debussy - the latter notably in the piano work </span><span class="style23">Catalogue d'oiseaux</span><span class="style7"> ('Bird Catalogue', 1958) - with influences as diverse as bird song, plainsong and oriental music. A devout Catholic, Messiaen wrote many of his works on religious themes, and produced the most powerful organ music since Bach.The earlier works of Messiaen's pupil </span><span class="style24">Pierre Boulez</span><span class="style7"> (1925-  ), such as </span><span class="style23">Le Marteau sans ma├«tre</span><span class="style7"> ('The Hammer without a Master') for voice and chamber orchestra (1953-55) and </span><span class="style23">Pli selon pli</span><span class="style7"> ('Fold upon Fold') for soprano and chamber orchestra (1957-62), employ twelve-note techniques, and Boulez has also experimented widely with electronic sounds. Although he has composed less in recent years, as a conductor Boulez has remained a tireless champion of new music.Another pupil of Messiaen, mainly active in France, is the Romanian-born Greek </span><span class="style24">Iannis Xenakis</span><span class="style7"> (1922-), who is not only one of the most important composers of the 20th century, but also a mathematician, logician, poet and architect; in this last capacity he at one time worked with Le Corbusier. Mathematics (particularly probability theory) has played an important role in his music, which, although mostly scored for conventional instruments, he has often written with the aid of a computer.</span><span class="style10">The Soviet Union</span><span class="style7">The pressures put upon Shostakovich to produce 'people's music', and which resulted in some masterpieces quite extraordinary in their inner tension, were gradually relaxed after his death. Subsequent Soviet and post-Soviet composers have had access to all the latest trends, and have had brilliant ensembles to perform the fruits of this new musical freedom. From this more temperate climate two composers in particular, </span><span class="style24">Edison Denisov</span><span class="style7"> (1929-  ) and </span><span class="style24">Alfred Shnitke</span><span class="style7"> (1934-  ), appear to have benefited. Both have produced imaginative and original music, Shnitke's possessing sometimes a blackly humorous element of send-up, as in his violin concerto incorporating a 'silent' cadenza that the soloist has to go through the motions of playing, with Paganini-like frenzy.</span><span class="style10">Eastern Europe</span><span class="style7">In Poland this state of musical freedom was achieved somewhat sooner, thanks partly to the Warsaw Festival, an annual autumn ferment of new ideas. Thus </span><span class="style24">Witold Lutoslawski</span><span class="style7"> (1913-  ) was able to apply all the modern techniques at his disposal to works (such as his string quartet of 1964 and cello concerto of 1970) that were at the same time products of an exceptionally lucid and, for the listener, by no means daunting mind.His younger compatriot, </span><span class="style24">Krzysztof Penderecki</span><span class="style7"> (1933-  ), was prone to employ more sensational effects, such as dense note-clusters and huge orchestral and choral </span><span class="style23">glissandi</span><span class="style7">, yet in his </span><span class="style23">Threnody for the Victims of Hiroshima</span><span class="style7"> for 52 solo strings (1960), his </span><span class="style23">St Luke Passion</span><span class="style7"> (1966) and his opera </span><span class="style23">The Devils of Loudun</span><span class="style7"> (1969) he composed music that, for all its apparent complexity, proved shattering in its impact.To write with this sort of boldness, the Hungarian composer </span><span class="style24">Gyorgy Ligeti</span><span class="style7"> (1923-   ) had to move to the West before unleashing his requiem (1965) and his opera </span><span class="style23">Le Grand Macabre</span><span class="style7"> (1978). Ligeti's music, like that of all the above composers, has traveled widely. </span><span class="style23">Le Grand Macabre</span><span class="style7">, an operatic equivalent of the Theater of the Absurd with Bosch, Bruegel, Kafka and Lewis Carroll among its influences, had its premiere in Stockholm but was soon seen in Britain, Germany, France, Spain and America. His </span><span class="style23">San Francisco Polyphony</span><span class="style7"> (1974), a brilliant orchestral spider's web of sound, beat America's West Coast Minimalist composers  at their own game, and showed how tiny repeated wisps of tune could be spun into a work of beauty, intricacy and substance.CW</span><span class="style10">MINIMALISM</span><span class="style7">Minimalism in music was first evolved by the American composer </span><span class="style23">Terry Riley</span><span class="style7"> (1935- ) in the late 1960s. Minimalist music involves the extensive repetition of the simplest of melodies or rhythms over slowly changing harmonies, and the overall effect, for those with the patience to listen, can be compellingly hypnotic. The style continues to be vigorously exploited by such American composers as </span><span class="style23">Steve</span><span class="style7"> </span><span class="style23">Reich</span><span class="style7"> (1936- ) and </span><span class="style23">Philip Glass</span><span class="style7"> (1937- ). The latter has worked with Ravi Shankar, and classical Indian music has been an important influence on his work. Glass has also brought Minimalism to the opera house, with pieces such as </span><span class="style23">Einstein on the Beach</span><span class="style7"> (1976) and </span><span class="style23">Akhnaten</span><span class="style7"> (1984). However, it has taken the 'post-Minimalist' political opera </span><span class="style23">Nixon in China</span><span class="style7"> (1987) by </span><span class="style23">John Adams</span><span class="style7"> (1947- ) to prove to some listeners that there is more to Minimalism than at first meets the ears.</span></text>
  15.     </content>
  16.     <content>
  17.         <layer>background</layer>
  18.         <id>26</id>
  19.         <text><span class="style10">tockhausen</span><span class="style7"> at work in the electronic studios of West German Radio at Cologne in the 1950s. In some of Stockhausen's later pieces the performers are presented not with printed notes but with instructions such as the following:Think NOTHINGWait until it is absolutely still within youWhen you have attained thisBegin to play . . .</span></text>
  20.     </content>
  21.     <content>
  22.         <layer>background</layer>
  23.         <id>23</id>
  24.         <text>ΓÇó MOVEMENTS IN ART SINCE 1945ΓÇó MODERNISTS AND OTHERSΓÇó OPERAΓÇó POPULAR MUSIC IN THE 20TH CENTURYΓÇó MUSIC FROM AROUND THE WORLDΓÇó MODERN DANCE</text>
  25.     </content>
  26.     <content>
  27.         <layer>background</layer>
  28.         <id>36</id>
  29.         <text>554578584588590598</text>
  30.     </content>
  31.     <name>p580-1</name>
  32.     <script></script>
  33. </card>
  34.